Nico Koronis

Mia madre era una pittrice, mio padre un ingegnere civile. Mi sembrava quindi naturale scegliere di diventare architetto. Sono stato molto fortunato perché, appena finito il liceo, ho potuto trasferirmi nel Regno Unito per studiare architettura. Era il momento magico della Cool Britannia, un periodo di crescita fenomenale, quantitativa e qualitativa, per la cultura anglosassone. E poi, alla fine degli anni Novanta, ho avuto la possibilità di trascorrere due anni a Milano: lì, è iniziato il mio rapporto con il design. È stato un momento fantastico: Milano era, allora, l'epicentro indiscusso del progetto. Infine, circa dieci anni fa, sono tornato a Milano definitivamente: ho iniziato a insegnare design e ho aperto il mio studio. Oggi, considero Milano la mia casa.

Storicamente, la Grecia ha avuto una presenza piuttosto debole in termini di design. Sebbene ci siano stati alcuni interessanti architetti modernisti e alcuni bravi grafici, il design del prodotto è praticamente assente. Le ragioni principali sono storiche, ma anche economiche e politiche. La mancanza di una vera produzione industriale ha portato come prima conseguenza a non considerare il design come fonte plausibile di investimento, sia in termini prettamente industriali sia per quanto concerneva la formazione. Ora però, finalmente, le cose stanno cambiando in modo positivo. Innanzitutto, si sta modificando l’output finale del progetto: mentre nel secolo passato il design concerneva principalmente l'oggetto prodotto industrialmente e in grandi quantità, ora il design più all’avanguardia prende in seria considerazione anche il “fatto a mano” e le edizioni in serie limitata. Inoltre, grazie al recente sviluppo (tecnologico, sociale, economico), il design non si occupa più solamente dell’oggetto, ma anche di sistemi e servizi, ambiti nei quali il ruolo dell'industria può ancora essere importante, ma certamente non è più basilare. La Grecia sta quindi finalmente uscendo da questa crisi lunga e traumatica che, si noti bene, ha inciso sul paese non solo a livello economico. Si sta ora creando un ambiente fertile per la scena del design di cui potremo, certamente, vedere i risultati nei prossimi anni.

Innanzitutto, non sono completamente d'accordo con il termine "art design" (ma questa sarebbe una discussione troppo lunga). Oggi, design significa molte cose diverse. È diventato un termine generale, che coinvolge forme diverse e interconnesse di espressione e di pensiero. Quando sono arrivato a Milano, negli anni '90, design era sinonimo (principalmente) di produzione industriale e supponeva, ma l’abbiamo capito soltanto in seguito, un modello di consumo insostenibile. L'evidente crollo di questo modello ha costretto i progettisti a valutare aspetti diversi e nuovi canali di progetto. Nello stesso tempo questo tipo di sviluppo (o di non sviluppo) che ha caratterizzato gli ultimi dieci anni ha reso, da un punto di vista pratico, più problematico il confronto con una "azienda di design" tradizionale.

Credo che tutti i materiali abbiano una storia da raccontare. Sono storie che, se ascoltate pazientemente e con mente aperta, possono aiutarci a superare i confini di un formalismo superfluo. Ciò non significa, tuttavia, che la forma degli oggetti non sia più importante, anzi. I prodotti finali del design saranno, prima di tutto e sempre, percepiti e registrati attraverso la visione. Tuttavia, al giorno d'oggi siamo costantemente bombardati da un'enorme quantità di contenuti visivi al punto da non riuscire più a elaborarli correttamente. L’onnipresenza stessa degli stimoli rischia di renderli insignificanti. Per questo motivo, quando è possibile, comincio a progettare semplicemente considerando le caratteristiche e i limiti di un determinato materiale, in questo modo non solo l'intero processo progettuale diviene più significativo, ma si può anche arrivare a risultati estetici inaspettati. Il tavolo NRT I, ad esempio, rappresenta un caso del genere: scolpito in un unico blocco di marmo nero del Belgio, il suo aspetto finale è semplicemente il risultato delle proprietà del materiale e dei processi di fabbricazione utilizzati. Questo specifico marmo, infatti, presenta la peculiarità, unica, che, se lucidato, passa dal grigio a un incredibile nero specchiato.

Probabilmente l’aspetto più interessante dell'insegnamento del design è la sua evoluzione continua e ormai rapidissima. I capitoli più significativi del design del XX secolo sono sempre stati correlati a questi cambiamenti e alle relative sfide. Ora ci stiamo rendendo conto che il tasso di sfide è più rapido che mai: i futuri progettisti dovranno strutturarsi per trovare modi nuovi per affrontarle efficacemente. Offrire gli strumenti giusti per cercare di raggiungere questo risultato per me oggi significa insegnare il design. Kurt Vonnegut aveva affermato, circa cinquant'anni fa, che il ruolo dell'artista nella società è simile a quello del canarino in una miniera di carbone. Mi piacerebbe credere che il designer contemporaneo possa essere “un canarino” tanto quanto l'artista di allora.

Sono sempre stato affascinato dal Movimento Moderno, sia nei suoi aspetti teorici sia in quelli pratici: da Loos e van Doesburg fino a Mies e Aalto. Credo si sia trattato di un "progetto" molto eccitante di cui, purtroppo, non abbiamo mai potuto vedere l’epifania finale. Essendo, però, il design in continua evoluzione, ci sono molte altre personalità, non necessariamente designer o architetti, ma anche artisti o scrittori, che hanno avuto un ruolo significativo nel plasmare la nostra disciplina. Ad esempio, i Radicali negli anni '60, o i Post-modernisti negli anni '80. Per questo motivo mi è quasi impossibile individuare “alcuni” maestri soltanto. Inoltre, credo sia molto importante rendersi conto che i maestri riconosciuti rappresentano solo una (piccola) parte della lunga storia del design. Ci sono molti altri eroi, non celebrati (Victor Papanek è un ottimo esempio), che solo di recente cominciano finalmente a ottenere il giusto credito e l'attenzione che meritano. Da essi abbiamo ancora tanto da imparare.